Зеркало

Я пересмотрел сегодня фильм «Зеркало», и как мне кажется я его наконец-то понял. Все эпизоды сложились в картину.
Это чрезвычайно тяжелый фильм и он был лично тяжелый для меня.

Сложность его в том, что он описывает правду какая она есть. Настоящую жизнь, без шуток и развлечений. Во всей ее глубине и глупости, нелепости и усталости. Тот образ детства который остался в памяти. Ты ведь не контролируешь, что ты помнишь а что нет, сто тебе сниться и какие моменты запечатались в память.

Моменты, которые изображает автор полны детского неудобства что ли. Когда ты еще ребенок и зависим от взрослых, но со многими вещами не согласен и считаешь, что не должно быть так. Но молчишь. Потому что ты ребенок и это создаёт какое-то навязчивое чувство на всю жизнь.

Тот же сон про отцовский дом. Он никогда не поменяется и не уйдёт. Он запечатлен в мозге как на пленке. Жизнь не остановить. Поломанную, глупую жизнь — не исправить. Но каждая жизнь — и поломана и глупа. Поэтому фильм такой сильный. Потому что он резонирует.

Может это и имел Тарковский ввиду когда говорил, что этот фильм религиозен?

Nigel Henderson обычный фотограф.

Nigel Henderson был фотографом, коллажистом.
Он фотографировал простые сцены уличной жизни в 50-е годы в Лондоне в Bethnal Green.
Мне понравился коллаж на котором изображено поле с высоты полета самолета. Nigel был военным летчиком и летал на самолете, он создал коллажи в которых осуждал войну.

Этот коллаж сделан из осколков стекла, их фотографий и фотографий результатов скомпонованы вместе для создания иллюзии поля.

Untitled No. 8 (Shattered Glass) 1959 Nigel Henderson 1917-1985 Purchased 2007 http://www.tate.org.uk/art/work/T12443

В этом году в Tate Britain — выставка его коллажей: https://www.tate.org.uk/search?aid=1268&type=artwork

Френсис Бекон — совокупления

It’s all so meaninglesswe may as well be extraordinary.

— Francis Bacon

Френсис Бекон снова выставлялся в Лондоне. В последнее время его тяжело найти в большом количестве — его картины раскуплены и находятся по всему миру.

Выставка в Gagosian посвящена картинам написанным в основном до 1971 года, когда Джордж Дайер — покончил жизнь самоубийством в гостиничном номере в Париже в день когда Бекон открывал самую важную для себя выставку своих работ.

Джордж Дайер был любовником Бекона, они были естественно геями раз я про это пишу в таком контексте.

Джордж Дайер был по сути никем — алкоголик, без работы, без призвания. Никто. Почему же он привлек внимание Бекона? Считается что они познакомились в пабе и Бекон сам подошел к нему и предложил выпить, Дайер всегда был очень зависим от бекона и статья в википедии намекает на то, что он покончил с жизнью в том числе из-за того, что они с Беконом стали отдаляться друг от друга. Причиной этого было то, что Дайер постоянно был пьян и он не мог настолько контролировать себя как это делал Бекон. Это отдаление было неизбежным. И жизнь Дайера потеряла всяческий смысл. Мне кажется с Беконом он еще мог держаться за него и за уверенность Бекона в себе, но сам — нет, он не протянул бы долго. Дайер — символ бессмысленности бытия для меня больше чем кто-либо. и именно потому что он ассоциируется с гением Бекона про которого столько написано, но про Дайера известно не так много. Да и всем на него наплевать.

Однако на этих картинах везде — всюду — Дайер и его загадка. Бекон руководствовался в жизни принципом случайности и случая, и в этом случае, как мне кажется, Дайер сыграл для него чем-то вроде катализатора творческой случайности. Никто — Дайер оказался таким важным.

Painting, 1950

Two Figures 1953 — особенно поражает своей агрессивностью и жестокостью. Я записал в свой блокнот:

Действие происходит в гостинице ночью, в звуконепроницаемом номере. Время: 4 часа утра, час волка, время смерти, время когда большинство спят и время, когда происходит самое страшное на земле. В гостиничной комнате есть мебель, но она теряется на фоне. Это место, этот номер — он существует в изолированном пространстве. Это место и время — 4 часа утра — место и время действия на всех картинах Бекона. Но это наш мир, это не космос, за пределами гостиницы — чудовищное человечество.

На фото отлично отразился свет лампы в стекле перед картиной, я думаю, что именно это Бекон и задумывал, когда хотел чтобы все картины всегда показывались за стеклом. Стекло еще больше отдаляет зрителя от безумного мира его картин.

Two Figures, 1953

Portrait of Man Walking, 1953 — мужчина в пиджаке, галстуке, костюме. Находиться вроде бы в комнате, но в то же время он отсутствует в этой реальности. Что он делает в черной коробке? Куда идет? В нем нет смысла. В его движении вперед нет никакого смысла. Сколько звериного, чудовищного на других картинах в галлерее сегодня. С них — суть человека в пиджаке, на них изображено то. что человек делает ночью выйдя из запертой комнаты-коробки.

Portrait of Man Walking, 1953

Ян Шванкмайер — Насекомые

If you look at my filmography, you’ll see that we’re only making feature films every five or six years. That’s not because we’re artistically “impotent,” but rather because it takes five to six years to get financing for a new project. And it’s getting harder. Civilisation needs mass culture to entertain the masses before they’re shooed back into the production line. And advertising is necessary to push people towards greater consumerism. If advertising failed to function, and people stopped consuming unnecessary goods, civilisation would collapse. And we don’t want that combination.

Удивительно, но Шванкмайеру снова удалось задеть своей работой. Единственный возможный ответ на жестокость этого мира — это насмешка воображения. Это одна из ключевых нот всего его творчества.

Творчество для Яна Шванкмайера — это не самореализация, это всего-лишь терапия, позволяющая выжить в безумии современности. В мира — который погряз в абсурде капитализма и потребления.

Общество, которое движимо рынком — никогда не станет на духовный, осмысленны путь. Рынок — это как корабль Босха, он ведет прямиком в ад, но никогда не приблизит нас к пониманию человечности, духовности и любви.

Поэтому и существует Ян Шванкмайер, которы может и должен каждым своим фильмом вызывать эту насмешку над разумным и «правильным», над здравым смыслом, в котором вообще не существует человек сегодня.

Сегодня — каждый из нас сумасшедший, давайте разрешим Яну Шванкмайеру вылечить наши больные души.

Кінець Людини — Конец Человека

Гошка Мацуга — Кінець людини (выставка в галлерее Пинчука в Киеве)

Ракета под рукой символизирует конец человечеству в результате войны. Однако, остальные символы указывают нам, что этот конец давно уже пришел в наш дом.

Последние слова — всего-лишь тарабарщина в бинарном коде. Мир, в котором все так зависит от компьютеров и назад дороги нет. И пусть компьютеры — не наибольшее зло, они — источник еще большего разъединения общества, ведь люди стали общаться с телефоном больше, чем с другими людьми.

И даже облако — всего-лишь треснувший экран монитора.

Слишком человечно — выставка в Tate

Экзистенциали́зм — особое направление в философии XX века, акцентирующее своё внимание на уникальности бытия человека, провозглашающее его иррациональным.

Начать описание выставки с цитаты из Википедии более чем уместно. Нужно понимать, почему некоторые картины возникли именно такими, какими мы их видим сегодня. И зачем художники работали над ними.

Моё мнение заключается в том, что это определение экзистенциализма, хотя и правильное, но слишком мягкое и не точное. Более точное определение должно сфокусироваться на понимании бессмысленности человеческого существования, и как результат — абсурдности самого существования и в частности — творчества, как такового. В творчестве нет смысла и мы придем к этому заключению.

[1950] Изучение Веласкеса
Начинается выставка работами начала 20-го века, а именно времени после первой мировой войны, когда ощущение абсурдности существования начало проявляться в современной культуре после пережитых ужасов.

Папа Римский у Френсиса Бекона похож на банкира. Пышный воротник 17 века превратился в ворот рубашки и фиолетовый галстук, небрежно завязанный. А рот — открыт для жадного пожирания вас.

Я понимаю эту картину в современном смысле: банкир хочет сожрать свою жертву, это — типичный зверь современности, современный подход в том, что нужно съесть собрата чтобы выжить — иллюстрирован Беконом.

Собака [1952]
Собака [1952]
Картина Собака лучше смотрится без очков, плохое зрение только усиливает эффект размазанной картины созданный Беконом, собака как бы отступает назад — запечатлено движение.

Красный шестиугольник ограничивает пространство, конечно собака не может выйти за его пределы — её свобода ограничена. На заднем плане, как ни странно автомобили, которые добавляют сюрреалистичности картине. Обычна Бекон помещал объекты в закрытое помещение, но здесь открытое пространство создает другое ощущение.

Картина написана на обратной стороне холста и серые области — это сам холст, Бекон не закрашивал его краской.

Эдуард Элгар — Концерт для виолончели с оркестром (1919)

Трагедия войны, трагедия человеческой жизни.

Первые звуки виолончели из концерта невозможно спутать с чем-либо другим, а услышав один раз — уже невозможно забыть.

Я полюбил виолончель услышав Элгара, не знаю, почему — но эта музыка оставила след в моем сердце.

Я слышал, что человек, который отходит от наркоза после операции может говорить бессмысленный бред, слова просто текут рекой, нет обычного блока — ограничителя, который обычно держит нас «в рамках».

Элгар перенес операцию на миндалинах, и сразу как только его наркоз отошел — он записал мелодию, ставшую основой этого концерта. Приснилась ли она ему в момент действия наркоза, когда незащищенная психика была близка к реальному миру, двигалась без рамок и ограничений.

Эта музыка будет жить вечно, кажется, что мир замирает, когда играют первые звуки виолончели, они режут поперек души — они напрямую транслируют в больное подсознание о бессмысленности человеческой жизни, о конечности бытия, об абсурдности войны, о болезнях которые нас всех непременно ожидают в будущем, о смерти.

Только наши дети возможно блуждая в просторах интернета случайно наткнуться на мелодию, ставшую криком о помощи больной душе. Душе, осуждающей войну, понимающей конечность и тщетность жизни человека на земле.

Доротея Ланж — облик человечества

В Барбикан проходит выставка фото Доротеи Ланж.

В одной из подписей, которая меня задела было описание своих трат во время поездки, которые Доротея должна была отправлять руководителям журнала, заказавшего фоторепортаж.

Доротея говорила, что платить $1.75 за обед в гостинице находясь рядом с людьми, которые в день зарабатывают $0.7 работая по 12-16 часов на палящем солнце — просто бесчеловечно.

Она писала что когда она разговаривала с женщиной попавшей на фото матери, которое обошло мир — между ними возникла некое взаимопонимание. Эта женщина почувствовала, что эти фотографии Доротеи могут ей помочь в каком-то смысле и поэтому она помогала в съемках.

Но на самом деле — как они ей помогли и могли ли? 

Сегодня в мире каждый выживает сам, каждый стоит только за себя. Помогать другим людям — это за рамками ценностей современного общества. В начале — себе, потом — другим. Такой подход увеличивает всеобщее неравенство, страдания и бедность.

Ну вот выставка напомнила мне про настоящие проблемы, которые остаются за дверью, может ли она сделать меня чуть лучше? Я не сомневаюсь в силе фотографий. Просто иногда кажется, что даже делая эти фото — сама Доротея беспокоилась только о себе.

В том 1933 или 37 году в Америке, та семья голодных детей, которые укрывались под навесом. Что случилось с их жизнью после этого фото? Они умерли с голоду или спаслись? Может кто-то из детей выжил, тому, кого кормили грудью был 1-1 года, значит он может быть еще жив сегодня?

Но понимаешь иллюзорность этих идей — эти люди были просто раздавлены безжалостной системой, созданной, чтобы ставить доход выше человеческого достоинства, выше жизни, выше морали. Это так удобно иметь оправдание своей бесчеловечности. Ведь это не ты убийца голодной матери и её детей, это абстрактный капитализм, в конце концов — это и есть принцип эволюции, в которой мы живем и которую так ценим за свободу, которую мы получили.

Bach Cello Suite #3
Bach Cello Suite #3

Просто рисовал когда играла музыка.

Виолончель — мой любимый инструмент, почему-то для меня в нем идеальная глубина, которая передает красочность композиции.

Кроме виолончели ничего больше и не нужно — просто закрой глаза и слушай.